Читать книгу "Галерея Тейт Лондон - Александр Майкапар"

Первая, деревянная, версия данной скульптуры была утрачена во время Второй мировой войны. В 1960 Мур сделал ее модифицированный вариант в гипсе, а затем отлил в бронзе. На использование автором проволочных нитей (струн) в этом и других изваяниях конца 1930-х оказало влияние творчество русско-американского скульптора Наума Габо (Наум Борисович / Нехамия Беркович Певзнер) с его необычным формированием художественного пространства. Мур развил его идеи и применил этот метод не только как переплетение нитей вне изваяния, но и как их проникновение сквозь твердую массу его тела.

Джексон Полок (1912–1956) № 23 1948. Бумага, грунт, эмаль. 57,5x78,4

Джексон Полок — американский художник, идеолог и лидер так называемого абстрактного экспрессионизма, оказавший значительное влияние на искусство второй половины XX века.

Начиная с 1947 мастер стал применять изобретенную им технику: на холсты больших размеров, которые расстилались на полу или развешивались на стенах, он, не прикасаясь кистью к поверхности, разбрызгивал с нее краски. Иными словами, автор не пишет картину, а окропляет краской. Данную технику стали называть капанием или разбрызгиванием. Сам художник предпочитал называть это техникой льющейся краски. Конечно, возникает проблема содержания такой работы и степени преднамеренности ее создания. Если в импульсе, который автор придает моменту капания или разливания краски, можно усмотреть творческое начало, то поведение капель или струй — дело случая. Тем не менее художник утверждал (и нельзя это не признать), что в разливах имеется определенная гармония. Мастер признавался: «Когда я внутри живописи, я не осознаю, что я делаю. Понимание приходит позже. У меня нет страха перед изменениями или разрушением образа, поскольку картина живет своей собственной жизнью. Я просто помогаю ей выйти наружу. Но если я теряю контакт с картиной, получается грязь и беспорядок. Если же нет, то это чистая гармония, легкость того, как ты берешь и отдаешь».

Отсутствие в работах Полока сюжета заставило его обозначить многие просто номерами, как данную. В этом, однако, он отнюдь не был новатором — достаточно вспомнить нумерованные абстрактные композиции В. Кандинского.

Марк Ротко (1903–1970) Светло-красный на черном 1957. Холст, масло. 230,6x152,7

Настоящее имя американского художника-абстракциониста Марка Ротко — Маркус Роткович. Он родился в России, в Двинске, но в 1913 семья эмигрировала.

Ранние произведения Ротко представляют собой композиции, романтические по духу и стилистически близкие экспрессионизму. В 1940-е он перешел от мечтательных полуабстрактных работ на сюжеты из греческих трагедий к беспредметным формам. К началу 1950-х Ротко упростил структуру своих картин до двух, иногда трех зон яркого чистого цвета. Именно произведения этого стиля составляют славу художника, их стоимость высока. Так, картина «Белый центр» («Желтое, розовое и лиловое на розовом») была выставлена на торги «Сотбис» за $40 млн. Комментарий эксперта торгового дома Тобиаса Мейера к полотну «Почитание Матисса», проданному на аукционе «Кристис» за $22 млн, представляющему собой полосы различных цветов: «Здесь ничего объяснять не надо — просто прекрасно».

Автор формулировал свою задачу как «простое выражение сложной мысли». Воплощение этого кредо — прямоугольные полотна большого размера с парящими в пространстве плоскостями «живописи цветового поля».

В галерее Тейт хранится 13 работ художника.

Виктор Вазарели (1908–1997) Сверхновое 1959–1961. Холст, масло. 241,9x152,4

Виктор Вазарели — французский художник, график и скульптор венгерского происхождения, один из основателей авангардистского течения оп-арта. Оп-арт (сокращенный вариант от английского «optical art» — «оптическое искусство») — художественный стиль второй половины XX века, использующий различные оптические иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур.

Живопись Вазарели представляет собой композиции, составленные из однородных по форме, но разноцветных линий и пятен, располагаемых в определенном порядке. Обыгрывая цветовые контрасты, соседство выпуклых и вогнутых форм, сплетая замысловатый узор на основе различимых невооруженным глазом штрихов и точек, художник создает на холсте подвижное цветовое пространство. Эта характеристика его творческого метода в целом, кажется, особенно согласуется с данной работой.

Черно-белые картины, которые Вазарели писал начиная с 1954, появились в результате его опытов в сфере так называемого кинетического искусства. Позже, в 1964, он говорил, что считает тему «Суперновое», как и все свои «кинетические композиции», составной частью монументальной работы, интегрированной с архитектурой.

Ричард Гамильтон (1922–2011) По поводу решительного заявления о грядущих тенденциях в отношении мужской одежды и аксессуаров. (А) Вместе давайте изучать звезды 1962. Дерево, масло. 61x81,3

В 1950 в Англии образовалось содружество художников и писателей, определившее себя как «Независимая группа». Ричард Гамильтон стал его активным членом. Площадкой для дискуссий на темы стиля в искусстве стал Институт современного искусства в Лондоне. Члены сообщества своей деятельностью, творческой (созидательной) и агитационно-пропагандистской, весьма способствовали развитию поп-арта в Великобритании.

Эта картина (хотя она представляет собой скорее коллаж) — образец поп-арта. В ней художник исследует, в какой мере идеалы мужественности и мода определяются технологическим уровнем общества. Время, когда создавалась работа, — начало 1960-х. Оно отмечено гонкой в освоении космоса, кульминационными моментами которой были отправка первого человека в космос (Ю. Гагарин) и высадка первого человека на Луне (Н. Армстронг). Отсюда элементы картины — скафандр космонавта (сам космонавт — кажется, Джон Кеннеди). Космос — это звезды, отсюда становится ясным подзаголовок произведения. Исследование Гамильтоном языка рекламы и массовой культуры посредством живописи и коллажа сделано одновременно как с целью критики, так и из желания наделить свое творение поэтическим чувством и экспрессией. Мастер понимал, что художник в среде мегаполиса XX века оказывается в положении производителя и потребителя массовой культуры. В конце концов от зрителя зависит, принимать ли эту работу всерьез или видеть в ней иронию.

Виллем де Кунинг (1904–1997) Фигура, сидящая на скамье 1972. Бронза. Высота 96,5

Виллем де Кунинг — крупнейший художник и скульптор второй половины XX века, один из лидеров абстрактного экспрессионизма. Он родился в Роттердаме, но в 1926 эмигрировал в США. Индивидуальная манера мастера, сначала как живописца, сложилась на рубеже 1930-1940-х под влиянием Пикассо и Миро. В первую очередь в этом качестве он получил мировое признание. В 1964 президент США Линдон Джонсон наградил художника медалью Свободы, в 1979 де Кунинг стал кавалером голландского ордена Оранж-Нассау. В 2006 одна из картин его цикла «Женщины» была продана за $136 млн, став вторым по стоимости купленным предметом искусства. В 2011 в нью-йоркском Музее современного искусства прошла выставка произведений мастера, вызвавшая огромный резонанс.