Читать книгу "Лондонская Национальная галерея - Александр Майкапар"

Микеланджело Меризи де Караваджо (1573–1610) Ужин в Эммаусе 1601. Холст, масло. 141×196,2

Микеланджело Меризи де Караваджо — итальянский художник, реформатор европейской живописи XVII века, один из крупнейших мастеров барокко.

Вскоре после того, как Христос был распят и воскрес, Клеопа и другой его безымянный ученик отправились в Эммаус — селение неподалеку от Иерусалима. По дороге их повстречал Иисус, Он присоединился к ним, но путники Его не узнали. В Эммаусе они пригласили Его в дом, говоря: «Останься с нами, потому что день уже склонился к вечеру». «И Он вошел и остался с ними. И когда Он возлежал с ними, то, взяв хлеб, благословил, преломил и подал им. Тогда открылись у них глаза и они узнали Его; но Он стал невидим для них».

Новаторская трактовка сюжета делает эту картину Караваджо уникальным явлением. Христос предстает на картине безбородым, возбуждение учеников, осознавших, что перед ними Учитель, выражено их экспрессивными жестами и мимикой. Кроме того, Караваджо делает яркий акцент на натюрморте, который имеет символическое значение. Было предпринято множество попыток раскрыть его. Курица на тарелке истолковывается как символ смерти, черный виноград также указывает на нее, а белый является олицетворением Воскресения. Еще одним символом Воскресения является гранат. Яблоки в системе значений «читаются» двояко: и как плоды благодати, и как указание на первородный грех, искупленный кровью Христа. Обращает на себя внимание то, что в реальности весной, когда происходит действие сюжета, такие фрукты не могли быть на столе. Это лишь доказывает их символическое значение.

Картина была написана для римского аристократа и банкира Чириако Маттеи. За работу 7 января 1602 Караваджо получил 150 крон. Позднее произведение приобрел кардинал Сципион Боргезе.

Каналетто (1697–1768) Двор каменщиков Около 1725. Холст, масло. 123,8×162,9

Джованни Антонио Каналь по прозвищу Каналетто — итальянский художник, глава венецианской школы ведутистов (с итальянского «veduta» — «вид»), мастер городского пейзажа в стиле барокко.

Так сложилось, что в Англии оказалось довольно много произведений Каналетто. Это объясняется тем, что многие молодые аристократы, завершая цикл своего обучения, совершали образовательные поездки в Италию. В Венеции они видели множество картин Каналетто с видами города и с удовольствием их приобретали. Кстати, когда художник оказался в Англии и работал в Лондоне, его произведения не пользовались большим успехом, он был вынужден вернуться на родину.

«Двор каменщиков» является одной из лучших работ Каналетто. Представление о нем мастера основывается, в первую очередь, на полотнах, изображающих привлекательные виды Венеции, а этот живописный шедевр по своей тематике в его наследии стоит особняком. На картине изображено не празднество, не торжественный выезд дожа, не регата на Большом канале… Но, тем не менее, перед зрителем все тот же Большой канал, каким он был во времена Каналетто: с рабочим кварталом на берегу. Даже самую прозаическую тему — труд каменотесов — художник воплотил очень поэтично. На заднем плане изображена церковь и колокольня Санта-Мария делла Карита. В 1841 звонница неожиданно обрушилась, не повредив храм, и с тех пор восстановлена не была. Так что картины живописца с ее видами, в частности эта, не только представляют художественную ценность, но и являются документами эпохи.

Искусство Франции

Эдгар Дега. Мисс Лала в цирке Фернандо. 1879

Клод Лоррен (1600–1682) Отплытие святой Урсулы и одиннадцати тысяч дев 1614. Холст, масло. 11 2,9×149

Клод Лоррен (настоящая фамилия — Желле или Желе) — французский живописец и гравер пейзажей.

Святая Урсула — легендарная мученица, которая была убита вместе с одиннадцатью тысячами своих спутниц. Житие Урсулы имеется в «Золотой Легенде» Якова Воррагинского, откуда художники черпали подробности обстоятельств ее жизни и смерти. Сюжетом картины Лоррена служит один из последних эпизодов жития — отъезд святой из Рима после паломничества к Папе Римскому Кириаку. Это объясняет многолюдность сцены и присутствие в свите одних дев. Сама Урсула изображена с традиционным атрибутом — белым знаменем с красным крестом Воскресения. У дев другой атрибут — лук и стрелы, «инструменты» мученической смерти святой. Здание слева является архитектурным мотивом, определенно указывающим на Рим, — это часовня-ротонда Тьемпетто ди Сан-Пьетро, памятник Донато Браманте. Таким образом, можно утверждать, что Лоррен изобразил паломниц отправляющимися в свой последний путь, в Кёльн, где их ждала смерть.

Никола Пуссен (1594–1665) Поклонение золотому тельцу 1633–1634. Холст, масло. 153,4×211,8

Никола Пуссен — французский живописец, основатель стиля «классицизм».

«Поклонение золотому тельцу» было задумано художником как парная картина к «Переходу через Черное море» (1633–1634, Национальная галерея Виктории, Мельбурн). Обе они были написаны для Амадео даль Поццо, кузена Кассиано даль Поццо — главного римского покровителя художника. До 1945 работы висели вместе, пока Национальная галерея не приобрела более позднюю.

Золотой телец — в Ветхом Завете золотой (либо позолоченный) идол быка, поставленный Аароном по требованию народа, обеспокоенного долгим отсутствием Моисея, говорившего с Яхве на Синайской горе. Золотому тельцу поклонялись либо как воплощению самого Бога, либо как культовому животному, служившему своеобразным троном для Бога. Возможно, рассказ о гневе Яхве и низвержении золотого тельца Моисеем отражает реальную борьбу с культом. В новоевропейской культуре золотой телец — символ наживы, власти денег, богатства, алчности.

Как и другие картины Пуссена, «Поклонение золотому тельцу» наполнено множеством персонажей, все они вовлечены в действие, а композиция составляет единое целое. В этом Пуссен был непревзойденным мастером и использовал свои находки в полной мере, воплощая их в разных композициях и контекстах. Обнаруживать такие параллели очень увлекательно. Так, танцующую перед тельцом группу художник заимствовал из более ранней работы — «Вакханалия перед статуей Бахуса» (1632–1633, Национальная галерея, Лондон), обратив ее… на 180 градусов! Неизвестно, думал ли живописец, что зритель этого не заметит, или, наоборот, рассчитывал на его проницательность?